Pies de plomo, Pilar Córdoba Longar
20 de junio a 20 de julio de 2024

Pies de plomo

¿Por qué creía yo que yéndome, la luz no iba a herir mis pupilas?
Federico Falco, Los llanos

Para pisar el acelerador a fondo hay que tener pies de plomo y dejar que el suave animal de tu cuerpo ame lo que ama. La práctica artística de Pilar Córdoba Longar (1981) pone de manifiesto los posibles desastres derivados de la época en la que estamos inmersos, como metáfora de nuestras experiencias románticas contemporáneas. En la fatalidad de nuestros encuentros amorosos se vuelve perceptible determinada velocidad a la cual experimentamos nuestro deseo, la intensidad con la que nos aproximamos hasta extinguir mutuamente lo indestructible en nosotros que puede ser infinitamente aniquilado. Para continuar siendo capaces de reincorporarnos, otra vez, sin interrupciones. Pese a ello, no se me ocurre un estado más abyecto que el estado amoroso, esa parte de la vida que salvamos de la ruina y que sólo cobra sentido si mantiene una relación íntima con lo perdido. Cuéntame tu desesperación y te contaré la mía.

El centro de resonancia de esta exposición puede entenderse como el enigma de la breve voluptuosidad “Hay una antigua frase construida letra por letra como un laberinto sin salida, para recordar perfectamente la forma y el contenido de la perdición: In girum imus nocte et consumimur igni, ‘Damos vueltas en la noche y somos consumidos por el fuego”. La frase, definida a veces como el “verso del diablo”, proviene, en realidad de la literatura emblemática y se refiere a las polillas inexorablemente atraídas por la flama de la vela que las consumirá. La imagen de la polilla devorada por el fuego aparece frecuentemente asociada a frases que se refieren a la pasión amorosa. En los Amorum emblemata de Otto van Veen (1608), en el contemplar de las polillas que se precipitan en dirección a la llama de la vela está un amor alado, y la empresa dice: brevis et damnosa voluptas.

La práctica meditativa del bordado, le permite a Pilar la experimentación de un otro tiempo ralentizado e íntimo, en contraste con la velocidad de la catástrofe afectiva que atraviesa nuestra experiencia cotidiana. Este cuerpo de obra habita la tensión entre el imaginario masculinos alrededor de los automóviles y una técnica de producción de imágenes históricamente feminizada, doméstica e invisibilizada. Bordando sobre una malla reticulada, Córdoba Longar genera imágenes en relación con aquellas construidas a partir de píxeles, que nos remiten a los primeros momentos de globalización cibernética.

– Octavio Gómez Rivero

Pilar Córdoba Longar vive y trabaja en la Ciudad de México. Egresada de la carrera de comunicación por la Universidad Iberoamericana (2005), realizó estudios en la Universidad de Sídney, Australia (2003) y School of Visual Arts de Nueva York (2008). Recientemente realizó una residencia de producción artística en Almost Perfect, Tokio, Japón (2023). Sus exposiciones recientes incluyen: No pasar, Curiel 23, CDMX (2023), Lot lizards, El Micky, CDMX (2022) y No rush, Almost Perfect, Tokio (2023).

Condo Mexico City
* anonymous gallery, with Relaciones Públicas
Hosting Rose Easton, London *

APRIL 11 TO MAY 16
WEDNESDAY TO FRIDAY * 12 – 6PM *
SATURDAY * 12 – 4PM *

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anonymous gallery with Relaciones Públicas are hosting Rose Easton (London) with a two person exhibition titled Luxury is personal, by Arlette (Mexico) and Martine Syms (USA). For the exhibition, a new large scale bronze sculpture by Arlette appears in concert with three works by Martine Syms, both multidisciplinary figures whose practices combine memoir, popular culture, gender politics and sex. 

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anonymous gallery en colaboración con Relaciones Públicas, invitan a Rose Easton (Londres) con una exposición titulada Luxury is personal, de Arlette (México) y Martine Syms (EE.UU.). Para la exposición, una nueva escultura de bronce a gran escala de Arlette aparece con tres obras de Martine Syms, ambas figuras multidisciplinares cuyas prácticas combinan memoria, cultura popular, políticas de género y sexo.

anonymous gallery regresa a CDMX

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Eventos públicos:
Viernes 9 de febrero de 6 a 9pm
Sábado 10 de febrero de 11am a 4pm

Location C. Gobernador Ignacio Esteva 44, San Miguel Chapultepec
Ciudad de México, CDMX 11850
Timbre 2#

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anonymous gallery se enorgullece en anunciar su regreso a la Ciudad de México, donde ha abierto un espacio en la colonia San Miguel Chapultepec, siguiendo simultáneamente su programación en Nueva York. anonymous operó en la Ciudad de México de 2012 a 2018 y espera volver a comprometerse con una misión de cooperación internacional, colaboración y diálogo entre latitudes, organizando entre cuatro y cinco exposiciones al año, que a veces coinciden con residencias para artistas, curadores y una serie de intercambios colaborativos.

El nuevo espacio de la galería cuenta con unos 120 metros cuadrados de espacio expositivo principal, un patio destinado a obra concebida para exteriores y un espacio de proyectos con oficina. El espacio de proyectos estará dirigido por Antonella Rava, Directora Asociada de la galería en Ciudad de México, y fundadora de Relaciones Públicas (RP), un proyecto que ha funcionado como galería, editorial, organización artística, secta, grupo de apoyo, sindicato, club de striptease; y como herramienta global para crear recursos que hagan posibles los proyectos artístico“. La colaboración permitirá a RP disponer de un espacio para continuar con su programación, al tiempo que se integra en las actividades de anonymous. RP @ anonymous inaugurará su primera exposición con Luis Campos durante la semana del arte de la CDMX 2024. 

La primera exposición de anonymous gallery Equis, Y Griega, Zeta (mx) se centra en tres generaciones de artistas de México. Organizada por primera vez en la ciudad de Nueva York, la exposición regresa a casa, reimaginada, donde inaugurará el nuevo espacio de anonymous gallery en la ciudad de México. El selecto pero significativo grupo inter-generacional de artistas de la Ciudad de México que reúne la muestra, influyem en la erudición del arte no sólo en México, sino en el mundo: Wendy Cabrera Rubio, Miguel Calderón, Tomás Díaz Cedeño, Samuel Guerrero, Adriana Lara, Berenice Olmedo y José Luis Sánchez Rull. La exposición también reconoce y agradece el apoyo de la comunidad de galerías que consignaron obras para la exposición: General Expenses, kurimanzutto, Lodos, and Peana.

Download press pack and images here

Merch sale: Noche Máquina
Luis Campos & Maggie Petroni

Limited edition shirts in the benefit of NOCHE MÁQUINA, an exhibition by Luis Campos and Maggie Petroni
Summer 2023 – Mexico City
Price: $2500 MXN

Inquire: antonella@relacionespublicas.com

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Solo show :: organized x Luis Campos :: @ Relaciones Públicas Fine Arts
December 2022

A feeling that lives in the private and hidden domain of sovereignty. 

There is a void that occupies most of the space where melancholy expands. We’ve built our security with somatized fictions, in this case the home of thought becomes a prison. Space is not a place but a moment, a promise of futility that maintains the sense of survival, not biological but sometimes philosophical. 

Painting, as we all know, carries the history of itself. However, it goes through an emotional uncertainty, sumerging us in an indescribable condition. The distinction between feeling and knowing is simply a void we fill with emotion. Is suffering a value for existence or a cosmetic sacrifice? Is the price to pay desire without access? The systematic relationship between perspective and memory… The material at a formal level suspends a multiplicity of durations and the art exhibitions overlap them.

Josué Gonzáles’ work is autotelic; it exposes an urban experience permeated by a policy of passionate repression in a state of repetitive euphoria and loss. Let’s think about the ways in which the process, material and time are related, the blurring of the border between the abstract and the figurative. It is an experience that resembles a memory, or a dream, that resists linear time, because it involves the use of multiple temporalities. Then, with a veil of mystery, the paintings move through time leaving a trace. An immediate void that cannot be filled but that synthesizes the weight of the absence. This exhibition is, in many ways, paranormal, depicted in a dream device. The melancholy can be a gesture, inscribed towards the future despite the memory; aspiring the impossibility of experiencing the present, but what is the present but a moment that we transit? 

So let’s combine the individual and collective experiences of what happens in space in order to figure out how we can narrate each other. If the most terrible thing has already happened, now we are just navigating a state of infinite trauma. The imagery in this exhibition speaks through nightmares; a cluster of colors and images that at times we think we recognize; parts of skeletons, spaces, which are then lost in other forms where nothing makes sense. It is within that uncertainty we believe that the most terrible thing is about to happen. The paintings are not symptoms of anything, but ARE themselves.

LO MÁS TERRIBLE SE APRENDE RÁPIDO
Josué González 

Un sentimiento que habita en el dominio privado y recóndito de la soberanía individual.

Existe un vacío que ocupa la mayor parte del espacio y es allí donde se dilata la sensación de melancolía, hemos construido nuestra seguridad en ficciones somatizadas, en este caso el hogar del pensamiento abstracto se convierte en una prisión. El espacio no es un lugar sino un momento, una promesa de futilidad que mantiene alerta el sentido de supervivencia, no biológico sino a veces filosófico.

La pintura, es sabido, carga la historia de sí misma. Pero nos atraviesa de una incertidumbre emocional, sumergiéndonos en una condición indescriptible. Entre ver y saber hay una brecha que nosotros rellenamos de emoción ¿Es el sufrimiento un valor para la existencia o un sacrificio cosmético? ¿Acaso el precio es querer y no acceder?

La sistemática relación entre la perspectiva y la memoria… El material a nivel formal suspende una multiplicidad de duraciones y las exhibiciones de arte superponen esas duraciones múltiples.

La obra de Josué Gonzáles es autotélica; expone una experiencia urbana permeada por una política de represión pasional, en un estado de euforia y de pérdida repetitivas. Pensemos las formas en las que se relacionan el proceso, el material y el tiempo, lo borroso de la frontera entre lo abstracto y figurativo. Es una experiencia que se asemeja a un recuerdo, o un sueño que se resiste al tiempo lineal, porque involucra el uso de múltiples temporalidades. Entonces con un velo de misterio, el tiempo profundo de la pintura funciona como una huella del paso.

Un vacío inmediato que no puede ser llenado pero que sintetiza el peso de la ausencia. Esta exposición es, en muchos sentidos, una experiencia paranormal, representada en un dispositivo de ensoñación. La melancolía puede ser un gesto, inscrito hacia el futuro a pesar del recuerdo; una aspiración en la imposibilidad de experimentar el presente, pero ¿qué es el presente sino un momento que transitamos?

Sumemos pues las experiencia individuales y colectivas de lo que acontece en un espacio y cómo es que podemos narrar o narrarnos mutuamente.

Si lo más terrible ya ocurrió, ahora solo andamos navegando un estado de trauma infinito. El imaginario en esta exposición son pesadillas; un cúmulo de colores y de imágenes que por momentos creemos reconocer; partes de esqueletos, espacios, que luego se pierden en otras formas donde nada tiene sentido. Y dentro de esa incertidumbre creemos que lo más terrible está por ocurrir. Las pinturas no son síntomas de nada, sino que son en sí mismas. La descripción anecdótica pierde fuerza en el momento en que lo que sentimos no es suficiente. Así que intentamos ponerlo en experiencia estética.

RANDOM ACCESS MEMORIES
April 30 – August 20, 2022
Chapter 1: Julio Aquino, José Eduardo Barajas, Luis Campos, Isabel Cavenecia
Chapter 2: + Marianela Castro, Gerardo Contreras

When a glass of water is spilled over a computer keyboard, minerals and impurities in the water conduct electricity through unexpected paths, causing a short circuit. In the same way, artworks presented in Random Access Memories (or RAM) produce a clash of the digital and physical.

As children of mass media, the artists in Random Access Memories have a fugitive nature — part of a generation who rely on their inconsistent, evasive and dynamic attributes for survival. Visually and conceptually, the artworks slip through the (already dead) original files; to sample and mix the overload of information producing their own fictions.  

Memory is flexible. Memories are multiplied, expanded and diluted by our imagination. In contrast to a computer’s hard drive, the RAM is volatile— it retains data as long as the computer is on. For this exhibition(s) Relaciones Públicas mimics the functions of a computer, filling up the RAM until it is no longer capable of processing the data. Relaciones Públicas presents an evolving exhibition, in which artists and artworks will be added to each Volume until the accumulated Random Access Memories overwhelm the gallery and must be rebooted. 

In a way, the artworks added to RAM are the exhibition’s software update, but the cup is already spilled and leaks are finding new paths. In that sense, these series of exhibitions reverberate the disk function (and dysfunction): temporarily store the program of the user’s desire.

– Mercedes Gómez Gonzalez
@beggingformerci

(1)  “Children of Mass Media even more than being the children of their parents who have much less influence over them”.    
Avant-Pop Manifesto, Mark Amerika (1992-1993)

For this exhibition(s) Relaciones Públicas mimics the functions of a computer, filling up the RAM until it is no longer capable of processing the data. Relaciones Públicas presents an evolving exhibition, in which artists and artworks will be added to each Volume until the accumulated Random Access Memories overwhelm the gallery and must be rebooted. 

INTRODUCING: Julio Aquino
Bodrios series

Julio Aquino (Unión Hidalgo, Oaxaca, 1999) is a multidisciplinary artist with a background in composition and theoretical music currently experimenting with new ways of using digital tools and processes for visual and sonorous creation. The Bodrios series (Artificial Intelligence-generated images printed on Hahnemühle photo paper) is born from an exploration with GANs (Generative Adversarial Networks: neuronal networks that generate image) about pareidolia and how gradually in their learning process they begin to generate vague and random stimuli that are mistakenly perceived as recognizable forms. A recent immersive installation by the artist, titled WITHDRAWAL, contains Backroom, a sound piece that sequentially intersperses two different audios at varying time intervals by means of double amplitude modulation (AM), creating a texture completely different from the original textures of both mother audios. The work refers to liminal spaces as it explores the moments where AM goes from being a perceptible rhythm to generating heights when performed at audible frequencies. The installation imitates a Backroom, which, according to users of sites like 4chan, are disturbing images of spaces in which something is not quite right. Julio’s work proposes a reconciliation with the intermediate spaces, loneliness, waiting and uncertainty.

Bodrios, 2022
Edition of 30 unique digital prints on Hahnemüle photo paper
20 x 20 cm
$8000 MXN each
On demand
Select and request at: contact@ravaprojects.com

RANDOM ACCESS MEMORIES
A.I PLAYLIST 1
INSTALLATION
JULIO AQUINO

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