IUDUIUDUI

IUDUIUDUI
Kristin Reger

27.04.21 – 29.05.21

RP se complace en presentar las nueva esculturas de gran escala de la artista norteamericana, Kristin Reger, en el antiguo teatro del Edificio Ermita del 27 de abril al 29 de mayo.

Reger está en un tránsito simbiótico entre el performance y la escultura, donde el foco de estudio se centra en una sensibilidad material que aterra y excita, transmutando estas emociones en figuras amorfas que acaban siendo espejismos o simples ampliaciones de una realidad propia.

La concepción de la realidad es ficticia, se neutraliza el espacio/tiempo, desaparecen las construcciones formales de la materia, dando como resultado un estado postembrionario desconocido: amorfo; monstruoso; fantasmal; espectral. Construyendo ambigüedades corporales y atemporales, dando como resultado formas exógenas fuera de registro las cuales finalmente se transforman en moldes preconcebidos que nos permiten entender el nacimiento metamórfico del ser.

Es necesario romperse en pedazos y sentir en el cuerpo la locura de un contorsionista; al mismo tiempo hay que convertirse en un fetichista hasta la esclavitud, un fetichista del ojo, de las nalgas y de los pies, todo a la vez, para volver a encontrar en uno mismo lo que miserablemente se abortó al principio de la constitución del cuerpo humano. [Bataille, Georges, Visions of Excess. Selected Writings, 1927-1939, p.260.]

En este caso la concepción platónica de lo bello desaparece para darle paso a lo deleznable y desconocido, pero siempre dentro de parámetros pitagóricos esenciales para la desagradable comprensión exigida por el espectador.

Dentro de la misma lógica y ocupando las mismas técnicas, con la cuales se gesta el concepto de belleza, en IUDUIUDUI hay algo emotivo, irracional, que a pesar de tener la misma lógica compositiva que la armonía, con una simple y pobre ecuación caprichosa, los factores se alteran dando como producto (al menos en este caso) piezas de dos metros suspendida en el aire, sin sentido, esperando ser contempladas.

27.04.21 – 29.05.21

ENGLISH

RP is pleased to present the new large-scale sculptures by North American artist Kristin Reger in Mexico City, at the former cinema of the Ermita Building from April 27 to May 29, 2021.

Reger is in a symbiotic transit between performance and sculpture, where the focus of study centers on a material sensibility that terrifies and excites, transmuting these emotions into amorphous figures that end up being mirages or simple enlargements of a reality of their own.

The conception of reality is fictitious, space/time is neutralized, the formal constructions of matter disappear, resulting in an unknown postembryonic state: amorphous, monstrous, ghostly, spectral. Constructing bodily and timeless ambiguities, resulting in exogenous forms out of register which finally become preconceived molds that allow us to understand the metamorphic birth of being.

It is necessary to break oneself into pieces and to feel in the body the madness of a contortionist; at the same time one must become a fetishist to the point of slavery, a fetishist of the eye, of the buttocks and of the feet, all at once, in order to find again in oneself what was miserably aborted at the beginning of the constitution of the human body.
[Georges Bataille, Visions of Excess. Selected Writings, 1927-1939, p.260.]

In this case the Platonic conception of the beautiful disappears to give way to the despicable and unknown, but always within essential Pythagorean parameters for the unpleasant understanding demanded by the spectator.

Within the same logic and occupying the same techniques, with which the concept of beauty is gestated, in IUDUIUDUI there is something emotional, irrational, that despite having the same compositional logic as harmony, with a simple and poor capricious equation, the factors are altered giving as a product (at least in this case) pieces of two meters suspended in the air, meaningless, waiting to be contemplated.

27.04.21 – 29.05.21

Photo by Fabián Valdés

Garden of Delete

Garden of Delete
Luis Campos
December 3 – 12, 2020

Opening: Thursday, December the 3rd, 2020 – 18h00
Opening hours: Friday, Saturday from 12 – 4h00. Or by appointment.
Strictly small groups per visit, 6 visitors at the same time max.
RSVP preferably.
Ciencias 41-1, Escandón I Sección, Mexico City.
Looking forward to seeing you!

Garden of Delete

De alguna manera u otra, todos están hablando sobre los artículos de novedad, o sobre los misteriosos y repulsivos hiperorganismos, o sobre el sistema subterráneo de túneles
y sobre el cementerio cerrado, cuyas lápidas no poseen nombres ni fechas
que nos indiquen nacimientos o muertes.
Thomas Ligotti

Siento que la pintura reciente de Luis Campos ha optado por una suspensión o desaceleración de sus elementos. Una parte de ella pareciera que ha llegado al umbral de un nuevo mundo del movimiento que bajo este último parámetro no es ya sólo la partícula o el proyectil, ensanchamiento del vector, sino el ansioso paseo por un laberinto, el encharcamiento telepático. Un trayecto menos seco, menos electrónico y más orgánico cuyos signos rayan en el tipo de velocidad no del haz, sino de la digestión o la sequía. En diversos casos, las personas que visiten Garden of Delete quizásse encuentren preguntándose por las decisiones que convierten a los elementos de varias de estas pinturas en una suerte de radiografías de un torso mural. Cuerpos planos cuyas vísceras parecieran afectadas por fuerzas vivas pero insuficientes para nutrir al ecosistema del que son parte: un régimen dinámico pero también a rastras.

Otras secciones de la obra recuerdan al mundo horizontalizado de la pittura metafisica, pero en levitación. Un tipo de falsa profundidad que recorta a los elementos, suspendiéndolos en la anticipación de un mal presagio, y en la buena suerte que podría ser para cualquiera menos para mí. La pintura de Luis Campos reivindica una lucha que se ganará por perdida, un tipo de máquina descendente que ha aprendido a utilizar el gris dinámico del verde/rojo como combustible y de cuyos planos efectivamente esperamos una acertada organización del colapso.

En este nuevo episodio de su obra, las estructuras se toman una pausa para dejar de dar giros agudos y estudiar su propio balance. Crean altares y acumulaciones propias, torres y quizás hasta ofrendas a un día más o menos nublado cuya hora hay que adivinar a través de una ventana en el fondo.

Es extraña la hora en la que se visita la pintura reciente de Luis Campos. El fantasma que la anima continúa dotando a la obra no sólo de un tiempo para las formas en persecución, sino también de un particular reparo en el que está permitido el consuelo. Es ahí donde más disfruto detenerme.

Christian Camacho

Jardín Barragán

Jardín Barragán, José Eduardo Barajas
Presentación del libro, charla y exposición
Octubre 17, 2020

Una arquitectura articulada desde el paisaje donde conviven plataformas, espejos de aguas y una rica vegetación, sirvió de escenario para que RP diera a conocer el segundo libro de artista de José Eduardo Barajas, y la primera publicación editada por el proyecto. Para la ocasión, RP organizó una muestra compuesta por obra pictórica y una serie de dibujos de sitio específico. La sede de la exhibición al aire libre fue el Jardín Barragán (con diseño e intervención de Tax Arquitectura), donde conviven muicles, floripondios, noche buenas, colorines, tepozanes, jamón amarillo, jazmines y una higuera, espacio ideal para dar contexto al libro ¿Por dónde sale el sol?  La presentación sucedió a manera de diálogo entre Natalia de la Rosa, autora del ensayo de la publicación; Omar Olivares, especialista en estudios visuales sobre el paisaje; Aurélie Vanderwynckele, gestora y curadora enfocada en la pintura contemporánea; y el artista, para explorar tanto los referentes de la pintura de paisaje a partir del análisis visual, en su vínculo con la ciencia, el territorio y la naturaleza, como las preguntas que surgen alrededor de una dialéctica íntima y pública presentes en la edición.

El trabajo reciente de Barajas incorpora una serie de investigaciones que oscilan entre el análisis de la historia del género del paisaje y las posibilidades re-codificadas de la pintura digital. ¿Por dónde sale el sol? es un proyecto pictórico y editorial que condensa los resultados de un proceso de exploración cotidiana y de experiencia al exterior, pensado a manera de fragmentos, para abrir las posibilidades para un diccionario visual. Como mencionó Olivares en su lectura sobre la obra de Barajas y el texto presente en la edición, el conjunto trata: “la genealogía del paisaje en México; la relación entre paisaje y régimen escópico y, luego, la contemporaneidad de la pintura paisaje que llaman analógico, respecto a las condiciones materiales y económicas de nuestra región.” Este libro de artista está compuesto por 83 dibujos que en su suma construyen una suerte de compendio, configurado mediante una traducción de la experiencia de la realidad cotidiana y subjetiva del artista. Conforma un catálogo de secciones que, como los manuales de Landesio, tienen la posibilidad de ser utilizados como elementos en composiciones más grandes y en escenas de distintos géneros.

Cinco dibujos en perspectiva aérea y de mediana escala fueron hechos específicamente para  vincularse con la vegetación del Jardín Barragán. Así, el autor dio paso a una apertura a su propia metodología, la cual navega entre la reflexión sobre los referentes de la pintura de paisaje en la historia del arte local y el estudio de la imagen en su relación con la tecnología, al proponer una traducción de ciertos elementos naturales a través de una asimilación de la experiencia empírica al reconocer los efectos de la luz (en tensión al coincidir con el referente de la mirada satelital) y su paso al plano del dibujo, proceso evidente en la serie de dibujos expuestos en esta arquitectura exterior. Asimismo, incorporó dos dibujos que retratan una exploración de diversos códigos de consumo kitsch y referentes de un folklore digital. Por último, una pintura al óleo de gran formato sintetiza una investigación realizada a partir tanto de los dibujos cotidianos reunidos en la edición como en los estudios paisajísticos y compositivos. En esta obra, la materialidad explora una condición industrial presente en la base pictórica como en la reformulación del código, al componer una suerte de gramática sistematizada (que en su suma nos recuerda a una Coatlicue algorítmica) que flota ante nuestra mirada. 

Natalia de la Rosa
CDMX
Octubre 2020

Barragán Garden
José Eduardo Barajas
Book presentation and exhibition
October 17, 2020

An architecture articulated from the landscape where platforms, water mirrors and rich vegetation coexist, served as the setting for RP to present the second artist book by José Eduardo Barajas, and the first publication by the project. For the occasion, the new CDMX-based gallery organized an exhibition consisting of pictorial work and a series of site-specific drawings. The venue for the outdoor exhibition was the Barragán Garden (with the design and intervention of Tax Arquitectura), where honeysuckles, floripondios, poinsettias, flame color trees, tepozanes, jasmine and a fig tree coexist, an ideal space to give context to the book ¿Por dónde sale el sol? (Where does the sun rise?). The presentation took place as a dialogue between Natalia de la Rosa, author of the publication’s essay; Omar Olivares, specialist in visual studies on landscape; Aurélie Vanderwynckele, manager and curator focused on contemporary painting; and the artist, to explore both the referents of landscape painting based on visual analysis, in its link with science, territory and nature, and the questions that arise around an intimate and public dialectic present in the edition.

Barajas’s recent work incorporates a series of investigations that oscillate between the analysis of the history of the landscape genre and the re-encoded possibilities of digital painting. Where does the sun rise? is a pictorial and editorial project that condenses the results of a process of daily exploration and experience abroad, thought as fragments, to open up the possibilities for a visual dictionary. As Olivares mentioned in his reading of Barajas’s work and the text present in the edition, the project deals with: “the genealogy of the landscape in Mexico; the relationship between landscape and scopic regime and, later, the contemporaneity of landscape painting that they call analogical, with respect to the material and economic conditions of our region. ” This artist’s book is made up of 83 drawings that together build a sort of compendium, configured through a translation of the experience of the artist’s daily and subjective reality. It forms a catalog of sections that, like the Landesio manuals, have the possibility of being used as elements in larger compositions and in scenes of different genres.

Five medium-scale aerial perspective drawings were made specifically to link with the vegetation of the Barragán Garden. Thus, the author gave way to an opening to his own methodology, which navigates between the reflection on the referents of landscape painting in the history of local art and the study of the image in its relationship with technology, by proposing a translation of certain natural elements through an assimilation of empirical experience when recognizing the effects of light (in tension when coinciding with the reference of the satellite gaze) and its passage to the drawing plane, a process evident in the series of drawings on display in this exterior architecture. It also incorporated two drawings that portray an exploration of various kitsch consumer codes and references from digital folklore. Finally, a large-format oil painting synthesizes an investigation carried out from both the daily drawings gathered in the edition and the landscape and compositional studies. In this work, materiality explores an industrial condition present in the pictorial base as well as in the reformulation of the code, by composing a sort of systematized grammar (which in sum reminds us of an algorithmic Coatlicue) that floats before our gaze.

Natalia de la Rosa
CDMX
Octubre 2020

Where Does the Sun Rise?


Where Does the Sun Rise?
José Eduardo Barajas, Natalia de la Rosa

Read the essay by Natalia de la Rosa in ¿Por dónde sale el sol? (Where Does the Sun Rise?) in English here

Glimpse

Glimpse,
Kristin Reger

Paintings
Confinement series, Summer 2020
Inquiries: ravaproject@gmail.com

In a moment of isolation and social distancing, sex, or rather the idea of sex, becomes a hallucination. It is a hyperbolized concoction of fantasy, memory and desire, often with no physical outlet for connection.
I created these paintings by channeling a self-inflicted experience of corporeal drama, specifically by delving into a disciplined erotic dance practice, as a quarantine activity and applied research.
The immediate conclusion is masturbation; considering the material itself ejaculation, or the solitary act of cumming onto canvas an achievement. Art history has been there and, well, no. The series emerges instead from another dimension that might be called sacral intelligence, an active intuition cleaving deeper and nastier than the gut. These are wildly gesturing movements channeled directly from the physical experience of sliding, flying, plummeting, as well as touching, feeling, grinding.
As paintings, still governed by physics, they are kinetically silent and static. Yet motion and emotion reverberate, and the decisiveness imprinted in them is akin to a death drop. They remind us that produced imagery –capture of the body, face and artifice in a synthetic moment of perfection– is called «sexy» but has nothing to do with sex itself. That near-death experience, rush, adrenaline, though, does indeed. The signifiers of so-called femininity, as we know it or don’t –nails, hair, heels, etc.– become needles reaching into twilight, shafts of hair fanning on skin, a swift clack or scrape on the floor. No matter, it could be instead hallmarks of masculinity, of androgyny, of outliers, of taboo. They all melt into mere catalysts in the act. Imagery of sex, if it is indeed imagery at all, is not still nor static perfection, but rather moments of anticipation crashing with open orifices, twisted faces, dripping fluids. As you fuck, it’s not your idealized lover or construction of self that matters… it’s the undoing of you both.
–KR

¿Por dónde sale el sol?

¿Por dónde sale el sol?
José Eduardo Barajas

Artist book
First edition 2020
Inquiries: ravaprojects@gmail.com

¿Por dónde sale el sol?
José Eduardo Barajas
Primera edición, 2020
96 páginas, papel bond
Español

Texto: Natalia de la Rosa
Diseño: Luis Dubón, Jimena Montemayor

Envíos desde el 27 de julio, 2020
Full essay in English online soon.

¿Por dónde sale el sol? es el segundo libro de José Eduardo Barajas. La publicación comprende 83 dibujos y un ensayo de Natalia de la Rosa. El trabajo más reciente de José Eduardo incorpora una serie de investigaciones que oscilan entre el análisis de la historia de la pintura de paisaje y las posibilidades re-codificadas de la pintura digital.

El ensayo que acompaña los dibujos, escrito por la Doctora en Historia del arte mexicana Natalia de la Rosa (@nataliadelarosa), analiza la obra de José Eduardo en un contexto histórico de pintura de paisaje y se pregunta sobre las posibilidades de representación de una realidad actual mexicana en la obra del artista.

El tiraje de 500 ejemplares numerados está disponible en $530 pesos exclusivamente para México y en $35 USD fuera del país. Se puede adquirir a través de Paypal, envío incluído.

Para transferencias interbancarias en México, mándanos un correo: relacionespublicas.art.org@gmail.com

$530 MXN – solo México
Transferencias interbancarias/Albo
$35 USD – Paypal

Glimpse

Glimpse, Krisin Reger

Paintings
Confinement series, Summer 2020
Inquiries: ravaprojects@gmail.com

In a moment of isolation and social distancing, sex, or rather the idea of sex, becomes a hallucination. It is a hyperbolized concoction of fantasy, memory and desire, often with no physical outlet for connection.

I created these paintings by channeling a self-inflicted experience of corporeal drama, specifically by delving into a disciplined erotic dance practice, as a quarantine activity and applied research.

The immediate conclusion is masturbation; considering the material itself ejaculation, or the solitary act of cumming onto canvas an achievement. Art history has been there and, well, no. The series emerges instead from another dimension that might be called sacral intelligence, an active intuition cleaving deeper and nastier than the gut. These are wildly gesturing movements channeled directly from the physical experience of sliding, flying, plummeting, as well as touching, feeling, grinding.

As paintings, still governed by physics, they are kinetically silent and static. Yet motion and emotion reverberate, and the decisiveness imprinted in them is akin to a death drop. They remind us that produced imagery –capture of the body, face and artifice in a synthetic moment of perfection– is called «sexy» but has nothing to do with sex itself. That near-death experience, rush, adrenaline, though, does indeed. The signifiers of so-called femininity, as we know it or don’t –nails, hair, heels, etc.– become needles reaching into twilight, shafts of hair fanning on skin, a swift clack or scrape on the floor. No matter, it could be instead hallmarks of masculinity, of androgyny, of outliers, of taboo. They all melt into mere catalysts in the act. Imagery of sex, if it is indeed imagery at all, is not still nor static perfection, but rather moments of anticipation crashing with open orifices, twisted faces, dripping fluids. As you fuck, it’s not your idealized lover or construction of self that matters… it’s the undoing of you both.
– KR

Glimpse is a one-time-only series of unique paintings. Available for limited time. For inquiries please write to ravaprojects@gmail.com

Glimpse

En un momento de aislamiento y distanciamiento social, el sexo, o más bien la idea del sexo, se convierte en una alucinación. Es una mezcla hiperbolizada de fantasía, memoria y deseo, a menudo sin salida física para la conexión.

Hice estas pinturas canalizando una experiencia autoinfligida de drama corporal, específicamente al profundizar en una práctica disciplinada de danza erótica, como una actividad de cuarentena e investigación aplicada.

La conclusión inmediata es la masturbación; considerando el material en sí mismo la eyaculación o el acto solitario de correrse sobre el lienzo, un logro. La historia del arte ha estado allí y, bueno, no. La serie emerge, en cambio, de otra dimensión, que podría llamarse inteligencia sacra, una intuición activa que penetra y surca más allá del intestino. Estos son movimientos que se gesticulan salvajemente, canalizados directamente desde la experiencia física de deslizarse, volar, caer en picada, tocar, sentir y rechinar.

Como pinturas, aún gobernadas por la física, son cinéticamente silenciosas y estáticas. Sin embargo, el movimiento y la emoción reverberan, y la decisión impresa en ellos es similar a una gota de muerte. Nos recuerdan que las imágenes producidas –la captura del cuerpo, la cara y el artificio en un momento sintético de perfección– son sexys, pero no nada tienen que ver con el sexo en sí. Sin embargo, esa experiencia cercana a la muerte, la adrenalina, sí que tienen que ver. Los significantes de la llamada feminidad, tal como la conocemos o no, –uñas, cabello, tacones, etc.– se convierten en agujas que alcanzan el crepúsculo, mechones de cabello que se abren sobre la piel, un rápido golpeteo o rasguño en el piso. No importa, en cambio podrían ser el sello distintivo de la masculinidad, de la androginia, de los valores atípicos, del tabú. Todos se funden en meros catalizadores en el acto. Las imágenes de sexo, si de hecho son imágenes, no son ni una perfección estática o inmóvil, sino más bien momentos de anticipación chocando con orificios abiertos, rostros retorcidos, fluidos que gotean. Mientras follas, no es tu amante idealizado o la construcción de ti mismo lo que importa… es la anulación de lo dos.
– KR

Mientras follas, no es tu amante idealizado o la construcción de ti mismo lo que importa … es la anulación de lo dos.

Glimpse es una serie de pinturas únicas, hechos por una única ocasión. Para solicitudes, manda un correo a: ravaprojects@gmail.com