Antonella Rava / Founder
ravaprojects@gmail.com
relacionespublicas.art.org@gmail.com
@relacionespublicas.art
(+ 52 1) 55-6817-3016
ravaprojects@gmail.com
relacionespublicas.art.org@gmail.com
@relacionespublicas.art
(+ 52 1) 55-6817-3016
↳
RP is an entity that has built upon the agency of self-organization as a method for the accomplishment of independent, collaborative projects.
The project depends on the support of sponsors for each one of its projects and continues to build a network of committed supporters. RP is an active participant in the changing needs of its generation, and it is known for its key curation of exhibitions.
15
14
13
12
11
10
09
08
07
06
05
04
03
02
01
14
13
12
11
10
09
08
07
06
05
04
03
02
01
Arteba
Nations
Gathering
Regiones que no aparecen en los mapas
(espacios catalíticos descomposición)
Pies de Plomo
Luxury is Personal
Pertinent Blackout
Lo más terrible se aprende rápido
Random Access Memories
Material Art Fair 2022
Shy Cramps, Soft Guts
IUDUIUDUI
Garden of Delete
¿Por dónde sale el Sol?
15
Luis Diego Abril, Maggie Chavarrí, Chelsea Culprit, Emanuel Juárez, Mateo Miranda, Ileana Moreno, Andy Punk
Lisboa #46, Juárez
Mexico City
2025
ESP
Que la curaduría no le estorbe al arte.
—Lyman Zerga
Sentado en su estudio en la ciudad de Guadalajara, con una viga de madera caída en la entrada, Mateo Miranda me dice que su pieza se llama Fruit of the Doom: un juego de palabras basado en el elástico de unos calzones de supermercado.
A pocas cuadras del estudio de pocos metros cuadrados que Mateo Miranda comparte con otros cinco o seis artistas, Chelsea Culprit extiende múltiples telas, plásticos protectores y recipientes con pintura dentro de un pequeño departamento. Hay pilas de cuadernos con dibujos tomados de libros de escultura cicládica, que más tarde se convierten en motivos protagonistas o complementarios dentro de sus pinturas, según la concreción o abstracción con la que los traslade. Entre pláticas, me cuenta que su principal interés es narrar la historia fragmentada de una mujer mártir a través de distintos medios, de la misma manera en que en Europa se contaron episodios de la vida de Jesucristo a través de soportes de lo más diversos.
Luis Diego Abril frecuenta el estudio donde pinta Miranda, conocido en algún momento por los tapatíos como “Hooogar”. En su caso, la práctica artística está profundamente ligada a su formación como psicólogo y a correr desnudo por los cerros de Hermosillo, Sonora, bajo el sol del desierto. No de forma hippie, sino como una especie de “comunión” católica.
Entre Atlanta y la Ciudad de México, Ileana Moreno y yo hablamos en cortísimas oraciones y monosílabos a través de WhatsApp. Mantenemos contacto a raíz de una exposición individual que realizamos en Guadalajara con su trabajo. Sus pinturas encuentran la educación formal de una egresada de Artes de la UNAM con el worldbuilding (disculpen el anglicismo) característico de comunidades y fanbases de internet, para configurar sus investigaciones sobre el panteón prehispánico mesoamericano.
Andy Punk dejó la capital jalisciense y se trasladó a la Ciudad de México. Como muchas estudiantes de la Escuela de Artes de la Universidad de Guadalajara, decidió abandonar su ciudad natal debido al conservadurismo de los llamados “pintores rabiosos” y a la escasez de espacios para artistas emergentes. Su pintura no persigue la solemnidad ni las pretensiones cosmopolitas con las que suele identificarse buena parte del arte tapatío. Las perspectivas de Andrea se gestan desde la intimidad de su cuarto y el internet como ventana al mundo, en plena zona industrial de Guadalajara.
En un departamento de la colonia Álamos, a unas cuadras de Calzada de Tlalpan, me encuentro con una pieza mural realizada en metal por Magguie Chavarrí, amigo de varios artistas egresados de La Esmeralda que, como muchos de su generación, se dedica también al tatuaje. La generación de Chavarrí ha construido sobre los cimientos del “formalismo neorromántico” que la sensibilidad tardo-millennial desarrolló a inicios de esta década. Si sus dos vertientes originales eran la Fantasía Medieval y el Cyberpunk —ambas dominadas por tonos oscuros—, les artistas nacides a inicios de los 2000 han integrado un giro juguetería/peluche, con formas y colores más amables.
Emanuel Juárez nos recuerda la cualidad efímera de crear imágenes. Las que conservamos y hoy reconocemos como “historia del arte” (occidental) han llegado hasta nosotros por casualidad, o por una serie de circunstancias casi caprichosas. Existe la idea de que, con el traslado a la digitalidad, las imágenes ahora sí se conservarán para siempre. La obra de Juárez se coloca en contradicción con esta creencia. Su trabajo gira en torno al deterioro y desgaste de imágenes digitales, a veces de manera sutil y otras veces más literal, como en sus esculturas de módems corroídos.
Por último, en Fruit of the Doom obra de la cual toma su título la exposición, Mateo Miranda presenta una cornucopia vista desde dentro, en la cual se recargan algunas frutas con pinta artificial, las cuales en realidad, son gomitas dentro de un tracto intestinal. Miranda me comenta que de niño, le gustaban mucho las gomitas de frutas y que estas le causaban gastritis. A pesar de dicho malestar, este no dejaba de comerlas, cosa que en paralelo, me hizo pensar en mi relación con el arte.
Los hilos conductores de esta muestra son así, una serie de llamadas telefónicas, conversaciones de WhatsApp, caminatas, reparaciones por lluvias... y el elástico de un calzón de supermercado.
- Luis F. Muñoz
—Lyman Zerga
Sentado en su estudio en la ciudad de Guadalajara, con una viga de madera caída en la entrada, Mateo Miranda me dice que su pieza se llama Fruit of the Doom: un juego de palabras basado en el elástico de unos calzones de supermercado.
A pocas cuadras del estudio de pocos metros cuadrados que Mateo Miranda comparte con otros cinco o seis artistas, Chelsea Culprit extiende múltiples telas, plásticos protectores y recipientes con pintura dentro de un pequeño departamento. Hay pilas de cuadernos con dibujos tomados de libros de escultura cicládica, que más tarde se convierten en motivos protagonistas o complementarios dentro de sus pinturas, según la concreción o abstracción con la que los traslade. Entre pláticas, me cuenta que su principal interés es narrar la historia fragmentada de una mujer mártir a través de distintos medios, de la misma manera en que en Europa se contaron episodios de la vida de Jesucristo a través de soportes de lo más diversos.
Luis Diego Abril frecuenta el estudio donde pinta Miranda, conocido en algún momento por los tapatíos como “Hooogar”. En su caso, la práctica artística está profundamente ligada a su formación como psicólogo y a correr desnudo por los cerros de Hermosillo, Sonora, bajo el sol del desierto. No de forma hippie, sino como una especie de “comunión” católica.
Entre Atlanta y la Ciudad de México, Ileana Moreno y yo hablamos en cortísimas oraciones y monosílabos a través de WhatsApp. Mantenemos contacto a raíz de una exposición individual que realizamos en Guadalajara con su trabajo. Sus pinturas encuentran la educación formal de una egresada de Artes de la UNAM con el worldbuilding (disculpen el anglicismo) característico de comunidades y fanbases de internet, para configurar sus investigaciones sobre el panteón prehispánico mesoamericano.
Andy Punk dejó la capital jalisciense y se trasladó a la Ciudad de México. Como muchas estudiantes de la Escuela de Artes de la Universidad de Guadalajara, decidió abandonar su ciudad natal debido al conservadurismo de los llamados “pintores rabiosos” y a la escasez de espacios para artistas emergentes. Su pintura no persigue la solemnidad ni las pretensiones cosmopolitas con las que suele identificarse buena parte del arte tapatío. Las perspectivas de Andrea se gestan desde la intimidad de su cuarto y el internet como ventana al mundo, en plena zona industrial de Guadalajara.
En un departamento de la colonia Álamos, a unas cuadras de Calzada de Tlalpan, me encuentro con una pieza mural realizada en metal por Magguie Chavarrí, amigo de varios artistas egresados de La Esmeralda que, como muchos de su generación, se dedica también al tatuaje. La generación de Chavarrí ha construido sobre los cimientos del “formalismo neorromántico” que la sensibilidad tardo-millennial desarrolló a inicios de esta década. Si sus dos vertientes originales eran la Fantasía Medieval y el Cyberpunk —ambas dominadas por tonos oscuros—, les artistas nacides a inicios de los 2000 han integrado un giro juguetería/peluche, con formas y colores más amables.
Emanuel Juárez nos recuerda la cualidad efímera de crear imágenes. Las que conservamos y hoy reconocemos como “historia del arte” (occidental) han llegado hasta nosotros por casualidad, o por una serie de circunstancias casi caprichosas. Existe la idea de que, con el traslado a la digitalidad, las imágenes ahora sí se conservarán para siempre. La obra de Juárez se coloca en contradicción con esta creencia. Su trabajo gira en torno al deterioro y desgaste de imágenes digitales, a veces de manera sutil y otras veces más literal, como en sus esculturas de módems corroídos.
Por último, en Fruit of the Doom obra de la cual toma su título la exposición, Mateo Miranda presenta una cornucopia vista desde dentro, en la cual se recargan algunas frutas con pinta artificial, las cuales en realidad, son gomitas dentro de un tracto intestinal. Miranda me comenta que de niño, le gustaban mucho las gomitas de frutas y que estas le causaban gastritis. A pesar de dicho malestar, este no dejaba de comerlas, cosa que en paralelo, me hizo pensar en mi relación con el arte.
Los hilos conductores de esta muestra son así, una serie de llamadas telefónicas, conversaciones de WhatsApp, caminatas, reparaciones por lluvias... y el elástico de un calzón de supermercado.
- Luis F. Muñoz
ENG
—Lyman Zerga
Sitting in his studio in Guadalajara, with a fallen wooden beam blocking the entrance, Mateo Miranda tells me that his piece is titled Fruit of the Doom: a play on words inspired by the elastic waistband of a pair of supermarket underwear.
Just a few blocks from the small studio that Miranda shares with five or six other artists, Chelsea Culprit spreads out multiple fabrics, protective plastics, and paint containers inside a small apartment. Piles of sketchbooks hold drawings taken from books on Cycladic sculpture, later becoming central or complementary motifs in her paintings, depending on the degree of concreteness or abstraction with which she translates them. In conversation, she tells me that her main interest lies in narrating the fragmented story of a female martyr through different media, in much the same way that episodes from the life of Christ were depicted in Europe across the most diverse supports.
Luis Diego Abril frequents the same studio where Miranda paints—once known to locals as “Hooogar.” In his case, artistic practice is deeply tied to his background in psychology and to running naked through the hills of Hermosillo, Sonora, under the desert sun. Not in a hippie way, but more as a kind of Catholic “communion.”
Between Atlanta and Mexico City, Ileana Moreno and I exchange short sentences and monosyllables over WhatsApp. We’ve kept in touch since a solo exhibition we did in Guadalajara with her work. Her paintings combine the formal education of a UNAM Visual Arts graduate with the worldbuilding characteristic of internet communities and fanbases, in order to shape her research on the Mesoamerican pre-Hispanic pantheon.
Andy Punk left Guadalajara for Mexico City. Like many students from the University of Guadalajara’s School of Arts, she decided to leave her hometown because of the conservatism of the so-called “rabid painters” and the scarcity of spaces for emerging artists. Her painting resists the solemnity and cosmopolitan pretensions that much of Guadalajara’s art scene tends to embrace. Andrea’s perspective is shaped from the intimacy of her bedroom and the internet as a window to the world, right in the heart of Guadalajara’s industrial zone.
In an apartment in the Álamos neighborhood, a few blocks from Calzada de Tlalpan, I find a metal mural piece by Magguie Chavarrí, a friend to several La Esmeralda graduates who, like many of their generation, also works as a tattoo artist. Chavarrí’s generation has built upon the foundations of the “neo-romantic formalism” that late-millennial sensibility developed at the beginning of this decade. If its two original branches were Medieval Fantasy and Cyberpunk—both dominated by dark tones—artists born in the early 2000s have integrated a toy shop/plush aesthetic, with softer forms and friendlier colors.
Emanuel Juárez reminds us of the ephemeral nature of image-making. The ones we preserve and now recognize as “art history” (in the Western sense) have survived by chance, or through a chain of almost capricious circumstances. There’s a prevailing idea that, in the digital era, images will now be preserved forever. Juárez’s work stands in opposition to this belief, revolving around the deterioration and decay of digital images—sometimes subtly, and sometimes more literally, as in his corroded modem sculptures.
Finally, in Fruit of the Doom, the piece that gives the exhibition its title, Mateo Miranda presents a cornucopia seen from the inside, where several fruits with an artificial look rest—fruits that are, in fact, gummies inside a digestive tract. Miranda tells me that as a child, he loved fruit gummies, even though they gave him gastritis. Despite the discomfort, he never stopped eating them, which, in turn, made me reflect on my own relationship with art.
The connecting threads of this exhibition are thus a series of phone calls, WhatsApp conversations, walks, post-storm repairs… and the elastic band of a pair of supermarket underwear.
- Luis F. Muñoz